RECUPERACIÓN PENDIENTES DE 2º ESO. 2ª PARTE


ACTIVIDADES DE RECUPERACION DE PEDIENTES
MATERIA DE MÚSICA
RECUPERACIÓN DE 2º ESO
2º CUADERNILLO


 CADA UNIDAD DIDÁCTICA TIENE ACTIVIDADES DE DOS TIPOS:
  • ACTIVIDADES DE LA HISTORIA DEL CÓMIC
  • ACTIVIDADES DE COMPRENSIÓN LECTORA Y DE RECUPERACIÓN

TEMA 3: EL BARROCO




EXPLICACIÓN 3.1: EL BARROCO MUSICAL: INTRODUCCIÓN

Se puede considerar que el período del Barroco musical comienza en 1600 y termina con la muerte en 1750 de uno de los grandes músicos barrocos: Johann Sebastian Bach. El Barroco se puede periodizar en tres partes: Barroco temprano (1580-1630), Barroco medio (1630-1680) y Barroco tardío (1680-1730). A su vez hubo una transición hacia el siguiente período, el Clasicismo, desde el 1730 al 1750.

El Barroco es un período de la historia de la música, y de las artes en general, con unas características muy marcadas como son: el gusto por la ornamentación, lo decorativo y la expresividad. Sin embargo en 150 años se dieron estilos musicales diferentes que no se pueden englobar todos con un solo nombre.

En este período la Iglesia y la nobleza dejan de tener el privilegio de tener música hecha por profesionales ya que este privilegio se extiende también a la burguesía, sobre todo al surgir la ópera a la que accede el público no perteneciente a las clases más altas. Con este nuevo género, la música vocal se desplaza hacia lo profano aunque surgen composiciones nuevas de obras religiosas como las cantatas, oratorios y pasiones.

La música instrumental se desarrolla y se asienta como género con personalidad propia. Antes, aquella, había tenido un papel menor en el Renacimiento, sin embargo, en el Barroco, la fabricación de instrumentos por excelentes lutieres crece en cantidad y calidad, lo que proporciona su popularidad entre todas las clases sociales. A diferencia del Renacimiento, los compositores barrocos componen obras de gran duración y complejidad. Así, surgen nuevas formas como la sonata y el concierto, composiciones puramente instrumentales.

La influencia y la primacía musical de Italia se hizo sentir en todos los países, incluso en aquellos que desarrollaron sus propios estilos. 

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Cuándo comienza y termina el Barroco y porqué la fecha final es importante? 
  2. ¿Cómo se periodiza el Barroco musical?
  3. ¿Qué tres características artísticas muestra el período musical barroco?
  4. ¿Qué relación hay entre la música barroca y la burguesía?
  5. ¿Qué clase social solía ir a la ópera antes del Barroco?
  6. ¿Qué tres tipos de obras religiosas se componen en el Barroco?
  7. ¿Qué género musical se consolida en el Barroco?
  8. ¿Porqué razón la música instrumental tiene tanto auge en el Barroco?
  9. ¿Quienes son los lutieres o "luthiers"?
  10. ¿Qué importancia tuvieron los instrumentos en la sociedad del Barroco?
  11. ¿Qué característica diferencia la música instrumental barroca de la renacentista?
  12. ¿Qué país es el que influencia a otros países de Europa en el plano musical en el período Barroco?

ACTIVIDADES 3.1

  1. ACTIVIDAD 3.1 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.1 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDAD 3.1 DE RECUPERACIÓN
    • Inventa 10 preguntas de verdadero o falso sacadas de la EXPLICACIÓN 3.1. Indica la respuesta verdadera.

AUDICIONES 3.1

BARROCO TEMPRANO
  1. Claudio Monteverdi: https://www.youtube.com/watch?v=S99FCAFNgaA
  2. Jacoppo Peri: https://www.youtube.com/watch?v=JbaL-RVwdbw
BARROCO MEDIO
  1. Archangelo Corelli: https://www.youtube.com/watch?v=1t8aLJcL7J4
  2. ADORNOS EN LA MÚSICA de Vivaldi, Philippe Jaroussky (Contratenor):https://www.youtube.com/watch?v=K7PTeoDDZNA
BARROCO TARDÍO
  1. Johann Sebastian Bach: https://www.youtube.com/watch?v=6JQm5aSjX6gArquitectura barroca en España.Arquitectura barroca en España.
EXPLICACIÓN 3.2: LA CAMERATA FLORENTINA Y EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA. EL ESTILO RECITATIVO.

LA CAMERATA FLORENTINA
Girolamo Mei, un intelectual florentino estudioso de la música griega, estaba convencido de que en el teatro de la antigua Grecia todo el texto era cantado. Estas ideas las transmitió a un grupo de intelectuales con quien mantenía tertulias literarias y que se reunían en torno al conde Bardi en Florencia. Ellos eran poetas, músicos y humanistas.

Este grupo, conocido como la Camerata Florentina, impulsó la revalorización de la música griega y trató de imitar lo que ellos creían que era la música del antiguo teatro griego. De estos experimentos surgieron las primeras óperas. Este tipo de música, según ellos, debía de ser monódica (una sola voz melódica) y acompañada instrumentalmente, pues solo una voz melódica con sus alturas y entonaciones correctas podía expresar perfectamente la línea poética y el mensaje emocional del texto. La polifonía no podía hacerlo de igual manera ya que creaba un caos ininteligible con sus voces superpuestas unas sobre otras.

Pertenecían a la Camerata Florentina los músicos Vicenzo Galilei (padre de Galileo Galilei), Giuglio Caccini, Jacoppo Peri y el poeta Ottavio Rinuccini, entre otros.

LAS PRIMERAS ÓPERAS
La ópera es un drama que combina soliloquios, diálogos, música, escenas y acción. La asociación entre música y drama se remonta a la antigua Grecia. Posteriormente, en la Edad Media, los dramas litúrgicos representaban escenas bíblicas, y en el Renacimiento los «intermedi», que eran cortos interludios (fragmentos) de tipo pastoral o mitológico, se representaban entre actos de una obra teatral, bodas o celebraciones. En el Barroco, la música y el drama se desarrollará a través de la ópera. La ópera es un drama musicalizado.

Ya en el Renacimiento algunos compositores de madrigales usaban motivos dramáticos en sus madrigales tratando de representar algunos sentimientos en el texto (lloros, risas etc). Para los compositores del 1600, como Peri, Caccini y Monteverdi, la voz acompañada de instrumentos era el medio ideal para desarrollar lo que más tarde se llamaría opera.

Las primeras óperas, «Eurídice» de Peri y Caccini (la hicieron en conjunto) y «Rappesentatione di anima et di corpo» de Emilio de Cavalieri datan del 1600. Posteriormente tanto Peri como Caccini publicaron sus propias versiones de "Eurídice". La ópera nace con estas obras. En 1607, Claudio Monteverdi, que conocía la obra de Peri y Caccini, publica en Mantua (Italia) una ópera en 5 actos llamada "Orfeo". Esta ópera, con muchos más instrumentos que las anteriores, es considerada como la primera ópera importante del Barroco. 

EL ESTILO RECITATIVO

Las óperas de este período inicial del Barroco usaban un estilo de canto que estaba a medio camino entre lo cantado y lo recitado. El estilo fue llamado recitativo y fue el elegido por Peri y Caccini para crear sus  primeras óperas. Con este estilo los compositores podían hacer expresivo el texto. El texto de ambas versiones de la ópera "Euridice" es del poeta Ottavio Rinuccini.



PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué transmitió Girolamo Mei a sus amigos intelectuales?
  2. ¿Qué es una tertulia?
  3. ¿Qué profesiones tenían los intelectuales que se reunían con el conde Bardi?
  4. ¿Con qué nombre se conoce al grupo de intelectuales amigos de Bardi?
  5. ¿Qué revalorizó la Camerata Florentina?
  6. ¿Qué características debía de tener la música de ópera en tiempos de la Camerata Florentina?
  7. Nombra 3 componentes de la Camerata Florentina.
  8. ¿Qué elementos mezcla la ópera?
  9. ¿Cuál es el antecedente más lejano de la ópera?
  10. ¿Cómo se llamaban las representaciones "teatrales" bíblicas?
  11. ¿Qué eran los "intermedi" y en qué época se dieron?
  12. ¿Qué elementos del madrigal renacentista representan acciones dramáticas?
  13. Nombra las dos primeras óperas y la más importante desde el punto de vista musical en los comienzos del Barroco?
  14. ¿Que particularidad tiene el estilo recitativo?
  15. ¿Por qué se eligió el estilo recitativo y no uno cantado enteramente?
  16. ¿Quién fue Rinuccini? ¿Quién era Eurídice?

ACTIVIDADES 3.2

  1. ACTIVIDAD 3.2 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.2 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDAD 3.2 DE RECUPERACIÓN
    • Realizar un esquema muy completo en una carilla A4 de la EXPLICACIÓN 3.2.
Foto 1/Photo 1Foto 1/Photo 1

AUDICIONES 3.2


EXPLICACIÓN 3.3: EL ARIA: ARIA DA CAPO. TIPOS DE ARIAS.

ARIA
El aria en las óperas es la parte cantada por el solista, se opone al recitativo que usa el estilo recitativo. Con las arias el compositor muestra y explota las situaciones dramáticas y emocionales. Viene a ser como un soliloquio en las obras de teatro habladas, pero cantado.


En las arias los intérpretes se lucían, incluso en exceso, lo que provocó no pocas críticas de poetas y músicos. A menudo eran cantadas por castrati, hombres sopranos sometidos a una operación quirurgica para no cambiar la voz al crecer. Uno de ellos, el más famoso, Farinelli, adquirió fama internacional por su gran técnica y su expresión vocal.

EL ARIA DA CAPO
El aria da capo es una obra vocal en tres partes o secciones. Se comenzó a usar en el Barroco en las óperas, oratorios y cantatas. La forma es A - B - A
  1. La primera sección es una entidad musical completa de modo que en principio se podría cantar sola y tendría sentido musicalmente pues termina en la tónica. La tónica es el primer grado o nota de una escala.
  2. La segunda sección contrasta con la primera en tonalidad, textura, ánimo y a veces en tempo (velocidad).
  3. La tercera sección es un Da Capo, es decir, un volver a repetir desde el principio la primera sección. El compositor por lo general no la escribía de nuevo, sino que escribía "Da Capo". El interprete, para no repetirla exactamente igual, la ornamentaba con adornos o variaciones a modo de improvisación. Recordemos que en el Barroco mucho de lo que se tocaba o se cantaba no estaba escrito en la partitura para que los intérpretes improvisaran adornos muy diversos según el estilo de la época. 
OTROS TIPOS DE ARIA
  1. Las arias podían ser no solo "Da Capo", sino "Dal Segno (desde el signo)" en donde repite parte de la sección A.
  2. Otra tienen forma AB, es decir binaria; otras binaria extendida: ABB'.
  3. Arias según su carácter como el "aria di bravura" llamada así por su dificultad técnica.
  4. Aria buffa, por ser cómica.
  5. Aria continuo, es una aria acompañada solo por el clavecín y un bajo.

 PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Qué es un aria y qué muestra el compositor en ellas?
  2. ¿Cuántas partes tiene el "aria Da Capo"?

  3. ¿Por qué se dice que la primera sección se podría tocar sola?
  4. ¿Qué es la tónica de una obra?
  5. ¿En qué se diferencia la segunda sección de la primera?
  6. ¿En qué se diferencian la primera y la tercera sección?
  7. La doble barra de la foto de abajo, qué 2 partes separa?
  8. ¿Qué es un Da Capo?
  9. ¿Qué sabían hacer los intérpretes barrocos y que no estaba en la partitura?
  10. Nombra 3 tipos de arias.

ACTIVIDADES 3.3

  1. ACTIVIDADES 3.3 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.3 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES 3.3 DE RECUPERACIÓN
    • Realiza un esquema de llaves de la EXPLICACIÓN 3.3 incluyendo información adicional sobre óperas y arias.

Foto 1: Handel: "He was despised". Aria Da Capo.Foto 1: Handel: "He was despised". Aria Da Capo.

AUDICIONES 3.3

1) ARIAS EN ÓPERA "ARIODANTE" (Handel)
       Scherza infida (P. Jaroussky. Contratenor):
E vivo ancora? e senza il ferro, oh Dei!
Che farò? che mi dite, o affanni miei?
Scherza infida in grembo al drudo.
Io tradito a morte in braccio,
per tua colpa ora men vò.
Ma a spezzar l’indegno laccio,
ombra msta, e spirto ignudo,
per tua pena io tornerò.

(Translation)
Am I still living? and thus unarmed, alas!
What shall I do? What do you say, my sorrows?
Laugh, faithless woman, in your lover’s arms.
By your fault I find myself
betrayed, approaching death.
But I shall return, a sad shade
and naked spirit to torment you
and to break this base liaison.

       "Doppo notte, atra e funesta" (J. Baker. Mezzo soprano):
Dopo notte atra e funesta,
splende in ciel più vago il sole
e di gioia empie la terra.

Mentre in orrida tempesta
il mio legno è quasi assorto,
giunge in porto e 'l lido afferra.

(Traducción)
Después de una noche oscura y terrible,
el sol brilla mas reluciente en el cielo
y de alegría llena la tierra.

Después de que en horrible tempestad
mi nave casi naufraga,
alcanza el puerto y se aferra a la orilla. 

2) ARIA DA CAPO EN ORATORIO "EL MESÍAS" (Handel)
       "He was despised" (Sarah Connolly, mezzo soprano)
Aria da capo, explicada en inglés, ejemplo de Handel:
https://www.youtube.com/watch?v=gySMZUpK_IY
Aria da capo en cantata de Bach:
https://www.youtube.com/watch?v=BFDtRn396WY

Andreas Scoll (Contratenor alemán):
Franco Fagioli (Contratenor italiano):
Philippe Jaroussky (Contratenor francés):
Escuchar: Arias de las óperas Ariodante, Alcina, Serse, de Handel;  arias de Pergolesi, Terradellas, Pórpora y Hasse. 

EXPLICACIÓN 3.4 : LA CANTATA DE IGLESIA LUTERANA. LA PASIÓN. EL ORATORIO.

EL CORAL LUTERANO SIGLOS XVI y XVII

El coral o Kirchenlied (canción de iglesia) se compone de dos elementos: texto y melodía. Es un himno estrófico. Los corales los cantaba los fieles al unísono y sin acompañamiento aunque más tarde los compositores armonizaron las melodías para los coros.

Las melodías podían ser antiguas, de nueva composición, o bien sacadas de canciones profanas o sacras. A menudo, en las canciones, se cambiaban los textos profanos y se les convertía en religiosos (contrafacta).

En el siglo XVII el órgano acompañaba la melodía y al final de ese siglo los corales se cantaban con armonizaciones de acordes y ritmos sencillos. Lucas Osiander es un compositor de esta época.

EL MOTETE CORAL
Con otro género al final del siglo XVI, el motete-coral,  la música religiosa luterana se divide definitivamente en dos caminos: música de estilo himnos, y música más elaborada para coros más entrenados. Compositores de motetes corales son: Hans Leo Hassler y Michael Praetorius. El compositor religioso más importante alemán de la primera mitad del siglo XVII fue Heinrich Schütz.

LA CANTATA DEL SIGLO XVIII

También se desarrolla un tipo de música llamado "cantata" que toma sus textos de fuentes bíblicas, poesía libre, odas sacras, corales. Este tipo de cantata sufre un cambio cuando hacia 1700 el poeta y teólogo Erdmann Neumeister introduce nuevos textos, poéticos, para las cantatas en la música  religiosa. Los compositores usaron estos textos para componer obras que contenían coros, solos, estilos concertados y elementos de la ópera como el recitativo y el aria.

Compositores importantes de cantatas fueron J.S.Bach, G.F.Handel y J.P.Telemann. Antes que estos les precedieron J.P. Krieger y F.W.Zachow.

EL ORATORIO

El oratorio es una forma compositiva religiosa vocal que narra temas bíblicos del Antiguo y Nuevo testamento. Lo interpretan solistas, coro y orquesta.  Se representa en la iglesia y a diferencia de la ópera el oratorio no se dramatiza sino que se narra. Los personajes están estáticos. Mediante arias, recitativos y coros se narra la historia.

Uno de los oratorios más famosos es el "Mesías" de Handel, compuesto en 1741 cuando vivía en Inglaterra. Otro autor importante es Giacomo Caríssimi con oratorios en latín y en italiano, y Georg Philipp Telemann.

LA PASIÓN
La pasión es un oratorio en el que se trata exclusivamente del sufrimiento y la muerte de Cristo. Es una forma compositiva religiosa vocal  En ella aparecen los principales personajesinvolucrados en la Pasión de Cristo: el Evangelista, que es el narrador y relata los acontecimientos en estilo recitativo, Jesucristo, los apóstoles, cantados por el coro, Pilatos, la muchedumbre o turba que comenta y es cantada por el coro, etc.

Dos pasiones más famosas son: "La pasión según San Juan" y "La pasión según San Mateo", ambas de J.S.Bach.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Qué dos elementos tiene un coral luterano?
  2. ¿Cómo se cantaban los corales por la congregación?
  3. ¿Qué es contrafacta?
  4. ¿Qué dos características tiene un coral del siglo XVII?
  5. Nombra un compositor importante alemán del siglo XVII.
  6. ¿De qué fuentes se nutren las cantatas anteriores a Neumeister?
  7. ¿Qué aporta Neumeister a la cantata antigua?
  8. Nombra los apellidos de 3 principales compositores de cantatas.
  9. ¿Qué tipos de voces tiene un oratorio?
  10. ¿Dónde se representa un oratorio y cuál es la diferencia con la ópera?
  11. ¿Quién, cuándo y dónde se compuso el oratorio El Mesías?
  12. ¿Qué se narra en una pasión musical?
  13. ¿Quién narra los hechos en la pasión y qué otros personajes aparecen?
  14. Nombra una pasión conocida y su compositor.

ACTIVIDADES 3.4

  1. ACTIVIDADES 3.4 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.4 copiando enunciados
o    Observa la foto 1. Responder a las preguntas:
      • ¿En qué nota comienza y acaba?
      • ¿Qué figura rítmica representa la última nota?
      • ¿Qué título tiene en latín y qué significa?
      • ¿Cuántos versos tiene cada estrofa?
      • ¿Cuántas frases musicales tiene la partitura?
      • ¿Cuántas estrofas tiene el texto?
      • ¿Cómo sabía la congregación donde iba cada verso en el pentagrama?
  1. ACTIVIDADES 3.4 DE RECUPERACIÓN
    • Realizar un mapa mental completo de la EXPLICACIÓN 3.4
Foto 1: coral luterano: "Nu kom der Heyden heyland" in the Erfurt Enchiridion (1524).Foto 1: coral luterano: "Nu kom der Heyden heyland" in the Erfurt Enchiridion (1524).

AUDICIONES 3.4

1) CORAL LUTERANO
2) MOTETE CORAL

3) CANTATAS

4) PASIÓN SEGÚN SAN MATEO (J.S. Bach)
  1. VIDEO
  2. TEXTO
  3. INTERACTIVO: VIDEO Y TEXTO A LA VEZ


5) ESCUCHAR LA AUDICIÓN Y RESPONDER A LA PREGUNTA:
  1. Observa la foto 1 de las pistas de un disco de la Cantata 147 de J.S. Bach.
  2. Tiene recitativos, arias y coros. Los solistas son las cuatro voces SATB (soprano, alto, tenor, bajo). Otras cantatas son para STB, e incluso para bajo solo.
  3. ¿Según la foto, qué pista o pistas crees que están sonando? Justifica tu respuesta.
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Cantata 147 - J.S. Bach
cantata-147-bach.mp3
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Foto 1: Cantata 147 de J.S. BachFoto 1: Cantata 147 de J.S. Bach
6) ESCUCHAR LAS AUDICIONES Y RESPONDER A LAS PREGUNTAS:


  1. Siete rose ruggiadose: http://www.youtube.com/watch?v=XcetRKmzJNw
  • ¿Qué instrumentos suenan? Nómbralos.

  • ¿Quién compuso la obra y a qué periodo del Barroco pertenece?
  • ¿Quién es la intérprete?
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J.S. Bach - ¿Aria, recitativo o coral?
bach-Pasion-San-Mateo-hold-in-affection-
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J.S. Bach - ¿Aria, recitativo o coral?
bach-Pasion-San-Mateo-Christ-Jesus-now i
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J.S. Bach - ¿Aria, recitativo o coral?
bach-Pasion-San-Mateo-now-Jesus.mp3
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7) VISITAR EL ENLACE Y RESPONDER A LAS PREGUNTAS:
  1.  
    1. ¿Dónde se realiza el oratorio del vídeo?
    2. ¿Cuántos instrumentos participan aproximadamente?
    3. ¿Cuántos integrantes tiene el coro aproximadamente?
    4. ¿Qué instrumentos son de cuerda pulsada?
    5. ¿Existe un silencio antes del final?¿En qué minuto?¿Qué función tiene?

    6. ¿En qué minuto hay una progresión melódica? (Mismo ritmo en melodías que se repiten en alturas diferentes)

EXPLICACIÓN 3.5: LA ÓPERA: ITALIA, FRANCIA E INGLATERRA 
LA ÓPERA ITALIANA
Posterior al período de óperas de Florencia y Mantua en la que se representan obras para un público selecto y aristocrático, el centro operístico pasa a Roma y Venecia en donde se populariza el género y se representa en teatros públicos.

  • Roma

La iglesia no se opuso a la ópera y se encargan algunas de contenido religioso como "Sant' Alessio" de Stefano Landi. En Roma el principal compositor, Luigi Rossi, compone "Orfeo" en la que se aprecian elementos cómicos y la separación definitiva del ária con el recitativo. El texto, tan importante en la época florentina ahora pierde importancia en favor de la música y de las bonitas arias.
  • Venecia: hasta 1650
Claudio Monteverdi, Francesco Cavalli y Antonio Cesti son los principales autores. El primero aún no separa el recitativo del aria como venía siendo el estilo de Cavalli y Cesti.
Cavalli, con más de 40 óperas, compone "Giasone", en la que se nota esa separación.
Con Cesti en la ópera "Il pomo d'oro" (la manzana de oro) se muestra un despliegue técnico grandioso en el escenario (batallas, naufragios, tormentas, etc.); el estilo es de bel canto.

  • Venecia: después de 1650
En la segunda mitad del siglo XVII la ópera en Italia había sufrido varias transformaciones en relación a la ópera florentina. El coro había prácticamente desaparecido, los recitativos que antes tenían tanto en cuenta el texto ahora eran de poco interés musical, la orquesta funcionaba para acompañar el canto a "solo". El aria reinaba y su victoria se puede considerar como el triunfo del gusto popular sobre el refinamiento aristocrático del recitativo florentino. Algunos autores son: Carlo Pallavicino, Agostino Steffani, Antonio Sartorio con otra versión de "Orfeo".

  • Nápoles

En esta ciudad se crea un estilo (bel canto) con una línea melódica acompañada de armonías agradables, con texturas simples. Este estilo se centraba más en la elegancia y en la efectividad externa que en la fuerza de lo dramático. Se caracterizaba por varios tipos de recitativo:

  • Recitativo "secco": lo hacía el clave, acompañado de un bajo.
  • Recitativo "obligatto", llamado más tarde "accompagnato"; lo hacía la orquesta y se usaba para situaciones dramáticas que reforzaban los cambios de emoción del diálogo.
  • Recitativo "arioso": a veces usaba un tipo de melodía que no era tan libre como el recitativo ni tan regular como el aría; se le llamó recitativo arioso.
Alessandro Scarlatti (padre de Domenico Scarlatti) fue el principal compositor con más de 100 óperas, entre ellas "Griselda", "Mitridate" y "Telémaco"


LA ÓPERA FRANCESA
En 1700 la ópera italiana había sido aceptada en todos los países salvo Francia. Sin embargo en 1673 bajo Luis XIV se crea la primera ópera francesa importante con "Cadmus et Hermione" de Jean Baptiste Lully.  En Francia la ópera recibió el nombre tragedia lírica. En ella se mezclaban elementos de la tragedia francesa y el ballet de court.

El principal y primer compositor de óperas fue Jean Baptiste Lully que, mediante intrigas, consiguió estar al servicio del rey Luis XIV monopolizar las representaciones de óperas. Las óperas francesas combinaban temas mitológicos con danzas y música coral, todo ello mezclando astutamente la adulación al rey, la glorificación de la nación francesa, debates sobre la naturaleza del amor y episodios de fantásticas aventuras.

Lully fue el creador de la "Obertura francesa" que es una obra instrumental que inicia la ópera y que se caracteriza por tener un ritmo punteado o doble punteado.
Posteriormente las oberturas se usaron como obras independientes o como parte de las suites. Otros compositores tras la muerte de Lully fueron Campra, Charpentier y Rameau.

LA ÓPERA INGLESA

La ópera en Inglaterra, llamada "masque (mascarada)", cuyo uso para la diversión de la corte, incluía danzas, poesía y música con un papel ornamental. Los compositores son John Blow,Matthew Locke y Henry Purcell cuya obra maestra "Dido y Eneas" (1682) es considerada la una de las mejores óperas inglesa de todos los tiempos.

Por otra parte, el compositor alemán Georg F. Handel compuso 35 óperas en su estancia de 30 años en Londres. Alcanza la cima de la ópera italiana y barroca. En sus óperas destacan la variedad de arias, el canto a solo muy virtuoso y la capacidad de encarnar estados de ánimo en la música a través de sus personajes. Algunos títulos suyos: "Rinaldo", "Julio César", "Radamisto", "Ariana".
PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO:

  1. ¿Qué dos ciudades son centros de ópera después de la época florentina?
  2. ¿Qué se separa en las óperas romanas como en "Orfeo" de Rossi?
  3. ¿Qué pierde importancia en las óperas romanas en relación a las anteriores?
  4. ¿Nombra tres compositores de la época veneciana?
  5. ¿Qué se muestra en "il pomo d'oro" de Cesti?
  6. ¿Por qué se dice que triunfa el gusto popular sobre el aristocrático en Venecia?
  7. ¿Que tres características tiene el estilo napolitano de ópera?
  8. ¿Que es el recitativo arioso?
  9. ¿Por qué se llama "accompagnato" al recitativo?
  10. ¿Quien era el padre, Alessandro Scarlatti o Domenico Scarlatti?
  11. ¿Qué compositor de óperas destaca en Francia con Luis XIV?
  12. ¿Qué tres elementos combina una ópera como las de Lully?
  13. Nombra 2 compositores franceses sin contar a Lully.
  14. ¿Qué tres elementos incluye la ópera inglesa?
  15. ¿Qué destaca en una ópera de Handel?
  16. Nombra 2 óperas de Handel.

ACTIVIDAD 3.5

  1. ACTIVIDADES 3.5 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.5 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES 3.5 DE RECUPERACIÓN
    • Realiza un esquema de llaves bastante completo de la EXPLICACIÓN 3.5

Foto 1: Lista de todos los Papas fallecidos.Foto 1: Lista de todos los Papas fallecidos.

AUDICIONES 3.5

RESPONDER A LAS PREGUNTAS EN NEGRITA:
CESTI
·          
    • ¿Qué características del "bel canto" se perciben en este aria? Marca las correctas:
legato - staccato - coloratura - trinos

CAVALLI
·          
    • ¿Después de la parte orquestal, cómo prosigue la ópera en el minuto 3'40'', aria o recitativo?
    • ¿Qué elementos cómicos aparecen  entre el minuto 3'40'' y el 7'  representados por Hercules y Besso?
    • Cuando Jasón sale de la tienda e interpreta "Delizie contenti", es aria o recitativo.
    • Compara la escenografía de esta parte con la versión de Christophe Dumaux (ver abajo).
·          
    • ¿Qué tipo de voz masculina interpreta el aria?
    • ¿Quienes cantaban esos registros de voz en el Barroco?
    • Averigua el nombre del interprete de Jason por la ficha del video en you tube y la wikipedia
  • Giasone (Video 2): https://www.youtube.com/watch?v=yizeBQyrGJQ

STEFFANI
·          
    • minuto 14'30'': Indicar qué tipo de recitativo es y que instrumento lo realiza.
    • minuto 15'34'': Indicar si el aria es da capo o no. Representa este aria el estilo de aria cantable de gusto popular. ¿Por qué?

SCARLATTI
·          
·          
    • ¿Qué sucede en este aria con la trompeta y la voz? Indica al menos dos aspectos.

LULLY
·          
    • ¿Qué característica rítmica tiene la obertura escuchada?
    • ¿En cuántas partes se divide la obra?
    • ¿En qué minuto o segundo cambia de una parte a otra?

RAMEAU

PURCELL

JOHN BLOW

HANDEL
·          


LIBRETOS DE ÓPERA BILINGÜES: http://www.kareol.es/


EXPLICACIÓN 3.6: LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL BARROCO
Renacimiento y Barroco
Durante el Barroco música instrumental fue evolucionando considerablemente, a diferencia del Renacimiento en donde los instrumentos eran meros acompañantes del canto. El Renacimiento es la época de la música vocal por excelencia (polifonía renacentista). Sin embargo, en el Barroco, los instrumentos se independizan de la voz y se compone música para instrumentos solistas. Esto ya se venía haciendo en el Renacimiento pero ahora se torna realmente importante y se escriben conciertos para solista y orquesta, o piezas importantes para clave, órgano, violín, violonchelo, flauta, laúd, etc.

Los instrumentos 
Los instrumentistas, por otra parte, estaban muy cualificados para tocar ya que mejoraron técnicamente respecto al Renacimiento. Los propios instrumentos también dieron un salto de calidad. Algunos lutieres destacaron (Stradivarius, Guarnieri) y crearon instrumentos de cuerda que hoy día son piezas únicas de alto valor. 

Los órganos experimentaron grandes mejoras ampliándose sus registros para tener más sonidos y más tubos. A su vez los teclados, con doble manual, uno superior y otro inferior y el laúd tuvieron importancia como instrumentos de acompañamiento o solistas. 

La función de los instrumentos era no solo acompañar la voz sino sustituirla. En el Barroco se tiene más conciencia del timbre (cualidad del sonido por la cual se reconoce tal o cual instrumento) y de la combinación de timbres y texturas.




La teoría musical y la práctica instrumental

Al haber músicos que analizaban la música a fondo y elaboraban teorías sobre aspectos musicales como la afinación de instrumentos, la tonalidad, la armonía, los acordes, el contrapunto, el arte de tocar instrumentos, se favoreció y se desarrolló la práctica instrumental.

Formas musicales más importantes
Algunas formas importantes de música instrumental son:
  • Hasta 1650
  1. Obras en continuado estilo imitativo (fuga, ricercar, fantasía, fancy, capriccio, etc).
  2. Obras en discontinuo estilo imitativo, es decir, en secciones (canzona, sonata).
  3. Obras en las que se da una melodía y se la varía (partita, passacaglia, chaconne, partita coral, y preludio coral.
  4. Danzas, si son varias juntas se llama "suite".
  5. Obras en estilo improvisatorio para teclado o laúd (toccata, fantasía, preludio).
  • Después de 1650

  1. Música para teclados: toccata (preludio, fantasía); variaciones; passacaglia y chaconne; suite y sonata (después de 1700); arreglos de música litúrgica y corales luteranos.
  2. Música para ensemble (grupos): sonata (sonata da chiesa), suite (sonata da camera); concerto y sinfonía.


PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO:

  1. ¿Que papel tenían los instrumentos en el Renacimiento?

  2. ¿Qué instrumento caracteriza al Renacimiento?

  3. ¿Qué independencia se da en el Barroco en relación a los instrumentos?

  4. ¿Qué tipo de obras se escriben para instrumentos en el Barroco?

  5. Nombra dos lutieres de cuerda de la época Barroca.

  6. ¿Cómo mejoraron los órganos barrocos?

  7. ¿De qué eran conscientes los músicos barrocos en relación a los instrumentos?

  8. Nombra cuatro aspectos sobre los que se escribieron tratados teóricos.

  9. Nombra tres obras imitativas continuas

  10. Nombra una obra en secciones.

  11. ¿Qué es una suite y una fantasía?

  12. ¿Cómo se agrupa la música después de  1650?

  13. ¿Qué dos tipos de sonata surgen después de 1700?

ACTIVIDADES 3.6

  1. ACTIVIDADES 3.6 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.6 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES 3.6 DE RECUPERACIÓN
    • Realiza un mapa mental completo de la EXPLICACIÓN 3.6

AUDICIONES 1.6

CAZZATI:
  • ¿Qué sucede entre el minuto 1'31'' y 1'37''?
  • ¿Qué estilo se usa en el movimiento que comienza en el 2' 49''?


MONTEVERDI



EXPLICACIÓN 3.7: LA MÚSICA ORQUESTAL EN EL BARROCO
LA ORQUESTA BARROCA

En el Barroco las orquestas no eran muy grandes como lo pueden ser hoy día con decenas de músicos. La orquesta del Rey Louis XIII tenía 24 violines y a la de Louis XIV se le juntaron 21 instrumentos más de cuerda.

Las orquestas dependían mucho del número de músicos disponibles en el momento. La plantilla más o menos fija eran cuerdas (violines, violas, violonchelos, contrabajos), vientos (2 flautas, 2 oboes, 1 fagot y 2 trompas, a veces), trompetas y timbales (ocasionalmente ambos), clave y órgano (hacían el continuo o uno u otro). A veces se usaban varios tipos de oboe (oboe d'amore, oboe da caccia), y por último, laúdes, teorbas, mandolinas, y flautas de pico.

Las tres características típicas de la orquesta barroca son:
  • las cuerdas: era la base firme sobre la que se juntaban otros instrumentos ya mencionados
  • el continuo: lo hacía el clave o el órgano. El instrumentista formaba acordes durante toda la obra sobre la línea del bajo. Funcionaba como relleno y adornando las texturas.
  • los contrastes: sobre todo de fuertes y pianos, pero también de timbres, es decir, podían sonar timbres brillantes (trompetas y oboes) contra un fondo de cuerdas y continuo.
ESTILO CONCERTATO
La palabra "concertato" viene del italiano "concertare", llegar a un acuerdo. Así, los instrumentos debían juntarse en un armonioso "ensemble" (grupo de instrumentos). En el Barroco temprano surge una manera de tocar en donde los instrumentos se mezclan con las voces, pero no solo doblan las voces, sino que tienen partes individuales. Este es el medio más usado en el siglo XVII. Así, existen madrigales concertatos en donde los instrumentos se juntan a las voces, conciertos sacros (obra vocal sacra con instrumentos), concerto instrumental (obra para varios instrumentos) etc.

EL CONCERTO BARROCO: CONCERTO GROSSO Y CONCERTO SOLISTA
El concerto podía ser de dos formas principalmente: concerto grosso y concerto solista.

El concerto grosso consta de dos grupos bien definidos dentro de la orquesta. El primer grupo, de unos pocos instrumentos solistas, se llama concertino, mientras que el segundo grupo, más numeroso y de cuerdas, se llama ripieno (relleno). Ambos se alternan durante la obra creando contrastes.

El concerto solista es de estructura similar al grosso pero sustituye el concertino por un solista. Las obras para concerto solista son compuestas para un instrumento solista que a menudo toca pasajes de gran dificultad y en donde la orquesta (ripieno) se contrapone con más peso sonoro.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Cuántos instrumentos tenía la orquesta del Rey de Francia Louis XIII?

  2. ¿De qué dependía el número de instrumentos de una orquesta barroca?
  3. ¿Cuántas flautas, oboes y trompas solía tener una orquesta barroca?
  4. Nombra dos tipos de oboe barrocos.
  5. ¿Qué instrumentos formaban la base de la orquesta barroca?
  6. ¿Cómo se llamaba al instrumento que formaba acordes sobre un bajo y que solía ser un clave o un órgano?
  7. Los contrastes orquestales eran de timbres y de fuertes y pianos. Verdadero/Falso
  8. ¿Como se llama el estilo barroco que mezcla voces con instrumentos?
  9. Los instrumentos no solo doblablan las voces sino que...
  10. ¿Cómo se llama una obra sacra con instrumentos?
  11. ¿Cuál es la diferencia principal entre los dos grupos de instrumentos del concerto grosso?

  12. ¿Qué nombre recibe el grupo de instrumentos solistas del concerto grosso?

  13. ¿Tiene ripieno un concerto solista?
  14. ¿En qué se diferencia un concerto grosso de un concerto solista?

ACTIVIDADES 3.7

  1. ACTIVIDAD 3.7 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.7 copiando enunciados.
    • Observa las fotos: Teorba, laúd, guitarra barroca y viola da gamba. La guitarra barroca tiene una forma diferente a la actual y la viola da gamba se parece a un violonchelo con trastes. Las violas podían ser de brazo (braccio) o de pierna (gamba). De esta última se deriva el violonchelo actual. Señala cuál es cuál.
  2. ACTIVIDAD 3.7 DE RECUPERACIÓN
LOS INSTRUMENTOS DE CUERDA PULSADA
http://u.jimdo.com/www61/o/s3e3e580941028ce1/img/id18c4d99dfe819f9/1398793195/thumb/image.jpg
http://u.jimdo.com/www61/o/s3e3e580941028ce1/img/i6360d3ac1381e166/1398793195/thumb/image.jpg
http://u.jimdo.com/www61/o/s3e3e580941028ce1/img/i28730732d355ec69/1398793195/thumb/image.jpg
http://u.jimdo.com/www61/o/s3e3e580941028ce1/img/i98fab5ad19afee36/1399214735/thumb/image.jpg

AUDICIONES 3.7

EJEMPLOS DE ORQUESTA BARROCA:
  1. Haz una lista de los instrumentos del VIDEO 1.
  2. En el VIDEO 2, ¿qué instrumento de teclado está a la izquierda del director y qué función tiene en la música barroca?
  3. En el VIDEO 2, minuto 1.44, ¿qué instrumento sobresale por su altura? Observa:http://www.youtube.com/watch?v=_9kMXx8uNp0


CONCERTO GROSSO

VISITA EL ENLACE, ESCUCHA LAS DOS AUDICIONES Y RESPONDE:
  1. ¿Cuál de las dos audiciones es la del concierto solista?

  2. ¿Cuál es el instrumento solista en la audición del "solo concerto"?

  3. ¿Qué obra es la del concerto grosso?

  4. ¿Tienen ripieno las dos audiciones?

  5. ¿Qué instrumento toca el continuo en la audición primera?

  6. ¿Qué instrumento suena en http://www.youtube.com/watch?v=yMy15UMgcgA?
 CONCERTO DE BRANDEMBUGO Nº4 EN SOL MAYOR:
  1. Observa la Foto 1 y marca los intervalos de tiempo en los que crees que dura el ripieno.
  2. Escucha el Audio 1. Abre el archivo con AUDACITY, y comprueba la respuesta de la pregunta anterior.
Foto 1: ¿Dónde está el ripieno?Foto 1: ¿Dónde está el ripieno?
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AUDIO 1: Bach. Concerto de Brandemburgo Nº 4 en Sol Mayor. Allegro
Bach-Concerto-n4-BWV-1049.mp3
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EXPLICACIÓN 3.8: LA SUITE Y LA SONATA

LA SUITE

La suite es un conjunto de varias piezas, a menudo danzas, que al agruparse forman una obra completa. Se originó en el barroco. Las danzas se tocan una tras otra en el orden establecido por el compositor y están todas en la misma tonalidad o en su relativa menor (1 tono y medio más abajo). La suite, al evolucionar en una forma más sofisticada, mezclaba tonalidades y reexponía materiales que se habían expuesto al principio, por lo que la suite es una precursora de la sonata, ya que esta última se basa en volver a exponer material ya escuchado.

Las danzas básicas la suite son (en francés): allemande, courante, sarabande y gige (alemanda, corrente, zarabanda y giga, en español). La sarabande es la danza más lenta y la giga la más rápida que iba siempre al final. Lo más normal es que la suite tuviera más danzas e incluso un preludio para iniciarla. La suite puede variar este esquema y no siempre tenía las danzas básicas, como en las suites orquestales de Handel (Foto 1). Grandes compositores alemanes de suites son J.S. Bach y F. H.Handel, S. L. Weiss.

Las suites de compositores franceses, especialmentes de F. Couperin, se llamaban "ordres" y podían llegar a veinte o más piezas cortas (Foto 2). En Alemania las suites para instrumentos a solo se llamaban "partitas",  a las de orquesta Bach las llamó "overtures" (Foto 3). Se compusieron suites para todo tipo de instrumentos (Foto 4), sobre todo para clave y para orquesta.

LA SONATA BARROCA

Una sonata, en sentido general, es una composición para un grupo pequeño de instrumentos compuesta en secciones que contrastan en tempo (velocidad) y textura (contrapunto, homofonía, imitaciones, etc). Corelli fue uno de los compositores barrocos que destacó en este género, conocido como "sonata a trío". Otros, fuera de Italia, fueron: Purcell (Inglaterra) y Muffat (Alemania).

La precursora de la sonata se origina en el Renacimiento. Existía una forma musical cantada llamada "canzona" que se comenzó a tocar en instrumentos, de manera que la melodía cantada se transcribía para el instrumento. Así, la canzona evoluciona hacia la sonata barroca, de la que había dos tipos:
  • Sonata da chiesa (sonata de iglesia): tocada en las iglesias. Sus secciones eran lenta-rapida-lenta-rápida y no tenían nombres de danza ni ritmos danzantes.
  • Sonata da camera (sonata de cámara): tocada en los recintos aristocráticos como palacios, salones etc. Era una suite de danzas estilizadas.
Según sus integrantes, que eran un conjunto de instrumentos, se clasifican en:
  • Sonata a trio: para cuatro instrumentistas, generalmente 2 violines, 1 bajo y el continuo. Es decir, 2 melodías sobre un bajo mas el acompañamiento que lo hacía el clave.
  • Sonata a solo: para dos instrumentos, pero uno de ellos es el continuo, es decir, el acompañamiento (clavecin). Si la sonata no tenía continuo se escribía en la partitura: "senza continuo" (sin continuo).

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué es una suite?

  2. Nombra dos aspectos de la evolución de la suite.

  3. Nombra 4 danzas barrocas y una danza rápida.

  4. ¿En qué difieren las suites de Handel con respecto al esquema tradicional?

  5. ¿Qué nombres distintos tenían las suites en varios países?

  6. Nombra dos compositores de suites alemanes y uno francés.

  7. ¿Qué forma musical es precursora de la sonata barroca?

  8. ¿Qué es una transcripción musical?
  9. ¿Cómo se llaman los dos tipos de sonata barroca y en qué difieren?

  10. Clasifica, en un esquema, la sonata barroca según sus integrantes.


ACTIVIDADES 3.8

  1. ACTIVIDAD 3.8 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO

    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.8 copiando enunciados.
    • www.popplet.com. Visita la web, date de alta y realiza un esquema de la explicación 3.8. Compártelo con un compañero mediante el menu share. para hacerlo en parejas.

  2. ACTIVIDADES 3.8 DE RECUPERACIÓN

AUDICIONES 3.8

EJEMPLOS DE DANZAS BARROCAS DANZADAS

  1. http://www.youtube.com/watch?v=hNexBB8JirE

  2. http://www.youtube.com/watch?v=8o7aP76kh40
  3. https://www.youtube.com/watch?v=KqyLOCpPEOM

VISITAR EL ENLACE, ESCUCHAR LA AUDICIÓN Y RESPONDER:
  • https://www.youtube.com/watch?v=KHzfD6XLK7Q

  • ¿Qué instrumento suena?

  • Abrir otra ventana en el navegador mientras el audio, busca y escribe los nombres de las danzas de la primera suite.

  • ¿Qué nombre tiene la danza rápida?

Foto 5Foto 5





EXPLICACIÓN 3.9: EL BARRROCO EN ESPAÑA


SIGLO XVII
La música renacentista pasa al Barroco español sin brusquedades como sucedió en Italia. En el ámbito religioso la música no permitía grandes innovaciones y como tampoco había una imprenta musical, lo que se componía no trascendía más allá de lo local. La vida musical en la casas de los nobles no era muy activa y ni siquiera en la corte real se permitían grandes audacias.

Música religiosa: Se componen salmos, motetes y misas, siendo Sebastián Durón el último de los maestros del Barroco del XVII. Como recurso musical se usa la policoralidad, es decir, varios coros a la vez pudiendo llegar hasta cinco los coros usados. Destaca Juan Bautista Comes en este recurso.

Otro género fue el auto sacramental, obras de teatro religiosas, escritas en un acto, de tema alegórico o doctrinario. Se solían representar al aire libre en las fiestas del Corpus. Se sabe muy poco de ellos pues la música se ha perdido.

Música escénica: en lo profano hay un alza de la música escénica, sobre todo zarzuelas y música para teatro, que tuvo un gran auge en este siglo, con obras de Lope de Vega,Calderón de la Barca y Tirso de Molina, y en el que se intercalaban fragmentos musicales que luego evolucionan en la tonadilla y la zarzuela.
  • La zarzuela:surge en Madrid bajo el auspicio de Felipe IV, que contrataba cómicos profesionales para su distracción después de cazar. La zarzuela era una obra de teatro breve en la que había importantes partes cantadas. Con Calderón de la Barca se transforma en una obra de teatro en 2 actos con partes cantadas y representadas. Los temas tratados son parecidos a los de la ópera: mitología, hechos legendarios con semidioses y monarcas. Su principal compositor es Sebastián Durón.
  • La ópera: de los españoles que compusieron destaca Juan Hidalgo con "Celos aún del aire matan" de 1660, primera ópera cuya música se conserva, aunque en 1622 se representó "La gloria de Niquea" de Mateo Romero cuya música se ha perdido.

Destacan también:
  • Francisco Correa de Araujo y Juan Cabanillas, en música para órgano.
  • Juan Bautista Comes, en policoralidad y villancicos.
  • Gaspar Sanz, en guitarra barroca.

SIGLO XVIII
La música se sigue produciendo en los mismos focos: la Iglesia, la Corte, las Casas de la nobleza (Casa de Alba, Benavente) y los Teatros. Con el movimiento ilustrado y el advenimiento de los Borbones (Felipe V, Fernando VI, Carlos III) hay una regeneración de la vida cultural en España permeada por influencias extranjeras, sobre todo de Italia.

En ópera "La guerra de los Gigantes", de Sebastián Durón, es la última ópera española compuesta antes de la invasión de la ópera italiana que dominará todo el siglo XVIII.

En otros géneros destacan:
  • En música religiosa los principales son: José de Torres, Antonio Literes, y Francisco de Nebra.
  • En música instrumental los italianos afincados en España: Luigi Boccherini (quintetos) y Domenico Scarlatti (sonatas) que era maestro de la reina Mª de Bragança.
  • El padre Antonio Soler, maestro de los infantes, con obras para órgano, quintetos y sonatas.
  • El guitarrista Santiago de Murcia autor del último libro para guitarra publicado por el sistema de tablatura.
  • El castrato Farinelli, en la corte española de Fernando VI.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO

  1. ¿Qué recurso se usa en la música religiosa y en qué consiste?
  2. Nombra dos compositores de música religiosa del siglo XVII.
  3. ¿Cómo se llaman las obras teatrales religiosas en un acto de tema alegórico?
  4. ¿Cuáles fueron los tres autores que destacaron en el teatro?
  5. ¿Con qué rey se crea la zarzuela y en qué lugar se representaban?
  6. Explica qué es una zarzuela.
  7. ¿Cuál fue la primera ópera española que se representó en España, cuál fue su autor?
  8. ¿En qué instrumento destaca Gaspar Sanz?
  9. Nombra tres focos de producción de música en el siglo XVIII
  10. Nombra 3 compositores de música religiosa del siglo XVIII
  11. ¿Quién enseñaba a los hijos del rey y en qué géneros destaca?
  12. ¿Para qué monarca cantaba Farinelli?

ACTIVIDADES 3.9

  1. ACTIVIDADES 3.9 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
    • Responder a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.9 copiando enunciados.

AUDICIONES 3.9

Sebastián Durón
  1. Selva encantada de amor: https://www.youtube.com/watch?v=9bJg_ofLKWY
  • ¿Cuáles son los instrumentos de cuerda pulsada de esta obra?
  • ¿Las partes vocales son cantadas o habladas?
Juan Bautista Comes
  1. Villancico: https://www.youtube.com/watch?v=Pd6PA4x2cxk&list=PLDrA1oaU89jYaYrw31aLcxsHOdnNnMLHZ
  2. Motete: https://www.youtube.com/watch?v=eVyRbhsfp1Q&list=PLDrA1oaU89jYaYrw31aLcxsHOdnNnMLHZ&index=3

Domenicco Scarlatti
  1. Sonata: https://www.youtube.com/watch?v=71iUAFFQ8ik

Luigi Boccherini
  1. Quinteto: https://www.youtube.com/watch?v=PZ7kx8z5M2Y&spfreload=10

Padre Soler
  1. Fandango: https://www.youtube.com/watch?v=9Vj1UPzlrTc
¿Qué recurso musical hace la mano izquierda?

Gaspar Sanz: "Canarios"
Guitarra de 6 cuerdas:

Guitarra de 12 cuerdas y bailarina:

Santiago de Murcia: "Canarios" y " Folias galegas"
Guitarras barrocas, arpa, percusión y salterio:
Guitarras barrocas y salterio


Antonio Martín y Col: "Diferencias sobres las Folias de España"
Viola da gamba, guitarra barroca, castañuelas y percusión:

EXPLICACIÓN 3.10: LA TRANSICIÓN AL CLASICISMO: EL ESTILO GALANTE.

LA TRANSICIÓN AL CLASICISMO
En el tránsito del Barroco tardío al Clasicismo surgen estilos que conviven juntos y que tienen ciertas características comunes o pequeñas diferencias entre ellos. Se agrupan dentro del Estilo Galante (Style Galant) que abarca el Rococó, el Empfindsamer Stil y el de los compositores de las escuelas de los diferentes países.

La palabra "galante", en la época, se refería a todo lo que era moderno, suave y sofisticado. Socialmente hacía referencia a actitudes y maneras del comportamiento refinado de la nobleza culta.

EL ESTILO GALANTE EN MÚSICA
Dentro del Estilo Galante se dan tres fases: 1720-40 (Rococó); 1740-60 (Empfindsamer Stil) y 1760-80 (Estilo preclásico).

En música, "galante" significaba "componer de manera moderna", es decir, como la manera moderna teatral italiana: melodías periódicas con acompañamiento ligero y acompañadas con armonía simple con frecuentes paradas en cadencias. El estilo se encuentra en los italianos Baldassare Galuppi (en sus obras de piano), Giambattista Pergolessi (arias), Leonardo Vinci (arias), y obras de clave de Luigi Bocherinni y Domenico Scarlatti. En Alemania destacan George Philipp Telemann, Adolf Hasse y Carl Philip Emmanuel Bach.

EL ROCOCÓ (FRANCIA)
Es un estilo francés que se caracteriza porque sustituye las formas grandes del Barroco por las formas más pequeñas. Viene a ser una reacción contra el barroco y de librarse de sus reglas. Busca distraer y recrear evitando emociones fuertes tan típicas del Barroco. Así:
  • Usa melodías cortas, a menudo separadas por silencios y llenas de adornos.
  • Utiliza ritmo repetitivo.
  • No usar el contrapunto.
  • El instrumento característico es el clavicémbalo (clave).
  • Los autores que destacan en este estilo son los franceses François Couperin, Jean-Philippe Rameau y Jacques Martin Hotteterre.

EL EMPFINDSAMER STIL O ESTILO EXPRESIVO (ALEMANIA)
De origen alemán, este estilo valora más el clima sentimental y la atmósfera en la obra que el Rococó. Buscaba expresar sentimientos naturales y verdaderos, y para ello se daban cambios bruscos de modo y atmósfera en la misma obra. Lo importante era la expresión de la emoción y los afectos a través de la música. Se caracteriza por lo siguiente:
  • Usar los silencios expresivos.
  • Usar la sorpresa en armonías abruptas, el cromatismo y los giros inusuales en las melodías.
  • El ritmo suele ser a menudo nervioso.
  • Las frases no son tan decoradas como en el Galante francés o Rococó.
  • Usar el contrapunto.
  • Los principales compositores son Carl Philip Emmanuel Bach, quien dijo que la música era para tocar el corazón y mover los afectos y Wilhelm Friedemann Bach (ambos hijos de los 20 que tuvo J.S. Bach). Otros compositores de este estilo son: Joaquim Quantz (flautista),  Franz Benda y Johann Schobert.

LA ESCUELA DE MANNHEIM
En la ciudad alemana de Mannheim se formó una orquesta de 42 músicos que gracias a su alta disciplina y precisión destacó en toda Europa y que se caracterizaba por hacer crescendos y diminuendos muy precisos, con golpes de arco uniformes. Se desarrolla la instrumentación, que se amplía. Los compositores más importantes fueron el propio Johann Stamitz, Christian Cannabich y los hijos de Stamitz y de Cannabich, entre otros.

LA ESCUELA DE VIENA
En Viena se funda el movimiento preclásico creando una música bien humorada y lírica, rasgos muy típicos del estilo de Mozart. Su aportación es incluir al minueto como tercero de cuatro movimientos en la sinfonía. Georg Mathias Monn (m.1750) introduce el segundo tema en las sinfonías; junto con Georg Christoph Wagenseil (m.1777), son los principales exponentes.

LA ESCUELA DE BERLÍN
La corte de Federico el Grande agrupa compositores como C.P.E. Bach (m. 1788) y Franz Benda que usan el contrapunto. Las sinfonías son en tres movimientos, al estilo italiano. Inician la técnica del desarrollo temático, es decir, toman un tema musical y lo expanden. Otro compositor importante es Johann Joachin Quantz.

LA ESCUELA ITALIANA
Con esta escuela surge la sinfonía tal cual la conocemos hoy y que poco a poco fue sustituyendo al concerto desde 1740. La sinfonía en sus comienzos era una obertura antes de la ópera, o un entre acto. En este estilo italiano las melodías son un poco más largas y cantables. Giovanni Battista Sammartini (m.1775) y Niccolò Jommelli son los principales autores siendo Giovanni Sammartini el primero que presenta una sinfonía en 4 movimientos en 1734.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DE TEXTO
  1. Nombra los estilos que comprenden el Estilo Galante.
  2. ¿Qué significados musicales tenía la palabra galante en el Barroco?
  3. ¿Cómo era la melodía y la armonía del Galante?
  4. ¿Qué abunda en las melodías rococós y qué instrumento era el más característico?
  5. Nombra cuatro medios usados por el compositor del Empfindsamer Stil para emocionar con su música?
  6. ¿En qué ciudad alemana destaca una orquesta famosa por su precisión y en qué destacó?
  7. En la escuela de Viena, qué danza se incluye en las obras de 4 movimientos?
  8. ¿Qué es el desarrollo temático y en qué escuela se desarrolla?
  9. ¿En qué escuela surge la sinfonía cuya estructura pervive hasta hoy día?
  10.  Nombra un compositor de cada estilo.

ACTIVIDADES 3.10

  1. ACTIVIDADES 3.10 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO

    • Responde a las preguntas de la EXPLICACIÓN 3.10 copiando enunciados.
  2. ACTIVIDADES 3.10 DE RECUPERACIÓN:

    • Realiza un esquema en dónde estén 2 aspectos musicales de cada escuela.

AUDICIONES 3.10

ROCOCÓ
  1. Couperin https://www.youtube.com/watch?v=b4th4fzKpaY
  2. Rameau
  3. Hotetterre

STYLE GALANT

  1. https://www.youtube.com/watch?v=bcvz6V8K3_A
  2. http://www.youtube.com/watch?v=RDPzGe_846o

EMPFINDSAMER STIL

  1. Escucha la Audición 1 y comprueba como se perciben dos motivos contrastantes, uno alegre y otro más melancólico, que se intercalan 3 veces cada uno, terminando con el más alegre una cuarta vez.
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Audición 1: Carl Philippe Emmanuel Bach - Sinfonía en Si bemol Mayor, Primer movimiento
cpe.bach.mp3
MP3 Audio File [5.4 MB]
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Audio 2. C.P.E. Bach: segundo movimiento de la sonata H 186.
C.P.E.Bach.sonata-H186-second-mov.mp3
MP3 Audio File [3.8 MB]
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ESCUELA DE MANNHEIM
Stamitz
  1. https://www.youtube.com/watch?v=UmhBXDeYmD0 (Presto)
  2. Sinfonía en Mi bemol mayor, opus 4

ESCUELA DE VIENA
Monn
  1. https://www.youtube.com/watch?v=Oc0ShE0_vT4 (Sinfonía en Sol mayor)
  2. https://www.youtube.com/watch?v=_C9QC6JNpYc (Sinfonía en Si mayor)
  3. http://www.youtube.com/watch?v=Jo35eBBCkK0
    • ¿Hay continuo en el primer movimiento?
    • ¿En qué minuto comienza el 2º movimiento?
Wagenseil

  1. http://www.youtube.com/watch?v=ss3ZtHtyw_w

ESCUELA DE BERLÍN

Karl Philipp Emanuel Bach
  1. https://www.youtube.com/watch?v=1u64RqYlF70


ESCUELA ITALIANA

Giovanni Battista Sammartini: Sinfonía nº32 en Fa Mayor.

  1. https://www.youtube.com/watch?v=yZFdtrqxqvw
  Giuseppe Sammartini: Concerto para flauta
  1. https://www.youtube.com/watch?v=dHmppVxy_A4

EXPLICACIÓN 3.11: EL BAJO CIFRADO y BAJO CONTINUO

EL BAJO CIFRADO Y BAJO CONTINUO

El bajo cifrado es un sistema de cifras escritas para tocar acordes sin que haya que escribir todas las notas en la partitura. Se usaba en el Barroco en las partituras de instrumentos que hacían el acompañamiento musical, llamado continuo, tocado por un clave generalmente.

Consiste en que, debajo de una línea melódica de bajo, como podría ser un violonchelo, fagot etc., se escribían cifras para que el continuo hiciera los acordes indicados por las cifras, además de improvisar.

A modo general y sin entrar en detalles, consiste en escribir un número debajo de la nota más grave de un acorde.  Ese número indica las notas que forman el acorde que va a sonar sobre la nota más grave.

Así, un DO con un 5 debajo, indica que se toca el DO (nota escrita en el pentagrama), y además se toca la 5ª nota desde el DO, es decir, el SOL.


TEMA 4: EL CLASICISMO



4.1 - El Sturm und Drang. Introducción al Clasicismo.

EXPLICACIÓN 4.1: EL STURM UND DRANG. INTRODUCCIÓN AL CLASICISMO
EL STURM UND DRANG
El nombre "Sturm und Drang" (tormenta e ímpetu) es un movimiento literario alemán que se propaga a las otras artes. En música viene a ser la prolongación del Empfindsamer Stil. En él, la música se concibe no ya como divertimiento sino como expresión intensa de sentimientos, de desahogo del corazón y del alma. Se usan las tonalidades menores para mostrar aspectos sombríos. También se usan las dinámicas contrastadas y los silencios expresivos. El Sturm und Drang es para algunos una fase tardía del Empfindsamer Stil y sucede en la década del 1770. Se reconoce este estilo en obras de J. Haydn (sinfonías 44, 45 , 47), J.C. Bach(Sinfonía en sol menor opus 6, nº6) y W.A. Mozart (Sinfonía en Sol menor, K.183) entre otros.

EL CLASICISMO  Y LA ILUSTRACIÓN

El período que comienza en la segunda mitad del XVIII y que dura aproximadamente hasta 1820 se caracteriza en las artes por tener sencillez, simetría, proporción, equilibrio y unidad. Estas características también se aplican en música, de manera que la obra musical crea expectativas en el oyente que, al cumplirse, hacen entendible la música para un gran público.Es conocido como clasicismo cuyos máximos representantes fueron Joseph Haydn yWolfgang Amadeus Mozart. Algunas de las obras de Ludwig Van Beethoven se incluyen en este período.

Con la Ilustración, época del el auge de las ciencias aplicadas, de los derechos igualitarios, la libertad del individuo y la educación universal, surge la Revolución francesa en 1789.
Las ideas del racionalismo, que sostiene que el hombre obtiene el conocimiento verdadero a través de la razón, se hacen sentir también en la música, así, las obras son pensadas con estructuras bien definidas.

Estilo clásico en música
sonido más ll
En cuanto a las características musicales se destacan, entre otras:
  • Melodía con gran protagonismo. Es cantable incluso cuando es compuesta para instrumentos. Las frases son simétricas en muchos casos. En cuanto a la forma de las melodías clásicas, estas muchas veces tienen una estructura muy característica: 8 compases en 2 frases de 4 compases cada una. Tanto el ritmo como la armonía se simplifican en relación al Barroco.
  • Ritmos regulares que crean una expectativa en el oyente, que al cumplirse hace entendible la música. Muchas veces se usan ritmos simétricos y acentos regulares.
  • Auge de la sonata (tipo de obra en tres o cuatro movimientos) y la forma sonata (tipo de la forma que suele tener el primer movimiento de la sonata)
  • El abandono del bajo continuo. El recitativo se acompaña con la orquesta (recitativo accompagnato) en lugar de con el clave (recitativo secco).
  • Predominio de la música instrumental.

Los instrumentos
El clave decae en favor al piano a partir de 1790 por tener este último más volumen sonoro. Lo mismo le sucede a la viola da gamba en favor de violas y violonchelos con eno.
  • Se incluye el clarinete
  • Las orquestas crecen en cantidad y el grupo de cuerda es más ligero, dinámico y vivaz que en el Barroco. El número de integrantes solía ser: 6,6 2,3,1, en violines primeros, violines segundos, violas, chelos y contrabajos respectivamente.
  • Los vientos madera eran aún inestables por las transformaciones mecánicas, se usaban para variar el timbre de las cuerdas. Las salas de concierto son más grandes y mejores.
  • Otros instrumentos son: flautas y oboes, trompas, trompetas, fagot y timbales
  • Destaca el cuarteto de cuerda en la música de cámara.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Qué es el Sturm und Drang y dónde surge?
  2. ¿Qué pretende transmitir una obra musical del Sturm und Drang?
  3. ¿Qué años abarca el Clasicismo musical?
  4. Nombra 4 características comunes a las artes del clasicismo.
  5. ¿Qué dos compositores sobresalieron en este período?

  6. Nombra 2 características de la Ilustración.
  7. Según los racionalistas ¿de dónde obtiene primordialmente el hombre el conocimiento?
  8. ¿Cómo se distribuye la frase musical en el Clasicismo?
  9. ¿Qué característica musical es la gran protagonista del Clasicismo?

  10. ¿Cómo suelen ser los ritmos del Clasicismo?
  11. ¿Qué diferencia hay entre sonata y forma sonata?

  12. ¿Qué característica instrumental barroca deja de usarse en el Clasicismo?
  13. ¿Qué dos instrumentos caen en desuso?
  14. Haz una lista de los instrumentos de la orquesta clásica, separada por familias.

ACTIVIDADES 1

  1. ACTIVIDADES 4.1 DE COMPRENSIÓN DE TEXTO

    • Responde a las preguntas de la EXPLICACIÓN  copiando enunciados.

AUDICIONES 1

STURM UND DRANG

MOZART
JOHANN CRISTIAN BACH

CLASICISMO
MOZART
Serenade:


HAYDN
Cuarteto Emperador (explicado en inglés, minuto 10):https://www.youtube.com/watch?v=aHJolteDIzc

Cuarteto Emperador, 2º movimiento: https://www.youtube.com/watch?v=mBmCcSz6HWw
BEETHOVEN
Sinfonía nº1: https://www.youtube.com/watch?v=6Pr6Wvqz8FYTambién la música de cámara: op. 1, op.5, op.12, op 20




EXPLICACIÓN 2: LA PRIMERA ESCUELA DE VIENA
LA PRIMERA ESCUELA DE VIENA
El centro musical más importante se desplaza a Viena y es en esta ciudad dónde trabajaron tres grandes compositores que estuvieron activos en el Clasicismo: Haydn, Mozart y Beethoven.
Haydn nace en 1732 y vive hasta los 77 años mientras Mozart nace en 1756 y muere a los 35. Los compositores en esta época aún no son independientes como lo serán en el Romanticismo y dependen del patronazgo de nobles, reyes o figuras eclesiásticas. Esperan que su música guste y se interprete con éxito comercial.

HAYDN
Fue el último de los grandes compositores que vivió bajo el patronazgo de la nobleza. Trabajó casi toda su vida para el conde de Eszterhazy en Hungría y en Viena. Se le conoce como el padre de la sinfonía, no por haberla inventado sino porque fijó su estructura y le dio una gran profundidad. Compuso más de 100 sinfonías y numerosa música de cámara. Al igual que Handel pasó algunos años en Londres en donde tuvo gran éxito.


MOZART
Fue niño prodigio, tocaba con gran soltura el clave y el violín a los ocho años de edad. Compuso su primera ópera a los doce. Tuvo una vida corta aunque fecunda en obras, plasmadas en sinfonías, conciertos, sonatas, óperas, música de cámara, religiosa y obras para bodas, bautizos y fiestas a las que llamó "serenades" y "divertimentos". Murió muy joven en la más absoluta pobreza y enterrado en una fosa común.


BEETHOVEN

Músico independiente que no cedía ante ningún patrón. Manejó sus asuntos financieros con sabiduría. Conoció a Haydn, con quien tuvo algunas lecciones, y a Mozart, quien le auguró un brillante futuro. Fue la bisagra entre el clasicismo y el romanticismo. Encarnó la figura de la victoria de la burguesía frente a la aristocracia. Creó un estilo muy personal que influenció a posteriores compositores. Su estilo hacía que la música fuera un modo de autoexpresión, con énfasis en lo impulsivo, lo revolucionario y lo misterioso, aspectos que forman la base del romanticismo. Murió enfermo, probablemente de una enfermedad del hígado.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Para quien trabajó Haydn casi toda su vida?

  2. ¿Cuántos años vivió Haydn más que Mozart?

  3. ¿En qué género musical destacó Haydn sobre todo?

  4. ¿En qué fecha nace Mozart?

  5. ¿Cómo se llama la música de Mozart para bodas, bautizos y fiestas?

  6. ¿Por qué Beethoven es como una "bisagra"?

  7. ¿Cómo era el estilo de Beethoven y en qué ponía énfasis?

ACTIVIDAD 2

  1. Busca en Internet información sobre Haydn, Mozart y Beethoven para realizar el punto siguiente:
  • Traza una línea de tiempo en donde se vean los acontecimientos más importantes de estos tres músicos. Puedes usar algún software para líneas de tiempo.



EXPLICACIÓN 3: LA SONATA CLÁSICA

LA SONATA CLÁSICA
La sonata clásica, como se encuentra en Haydn, Mozart y Beethoven, generalmente tiene 3 o 4 movimientos de modos y tempos contrastantes. En 1787 se describe que el primer movimiento de la sonata tiene 2 secciones. Son estas 2 secciones las que posteriormente recibieron el nombre "forma sonata".

LA FORMA SONATA
Como decíamos, la forma sonata tiene 2 partes. Cada una puede o no repetirse. La primera parte tiene 1 período. La segunda parte tiene 2 períodos. Los tres períodos se llaman:
  • exposición
  • desarrollo
  • reexposición o recapitulación.
  • A veces suele haber una "Coda" ("cola" en italiano) que es una pequeña parte extra.
Debido a esta tripartición, desde 1830 hasta hoy día, se acepta que la forma sonata tiene 3 partes.
Dentro de este esquema existen algunas variantes como se observa en el siguiente enlace:"forma sonata" y "sonata form".  

Este tipo de esquema musical se usará también para el primer movimiento de las sinfonías. Ponemos aquí una sonata de Mozart con su correspondiente análisis y audios. La forma sonata es la que se oye en el primer movimiento, allegro (Foto 1) del siguiente audio:https://www.youtube.com/watch?v=AoT8YV9qi1g

No todas las sonatas tienen forma sonata en el primer movimiento. La sonata nº 11 de Mozart tiene forma de tema y variaciones en su primer movimiento.https://www.youtube.com/watch?v=vp_h649sZ9A&list=RDvp_h649sZ9A

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Cuántos movimientos tiene la sonata clásica?

  2. ¿Qué contrasta en los movimientos de la sonata clásica?

  3. ¿Qué recibe el nombre de forma sonata?

  4. ¿Cuántas secciones tiene la forma sonata?

  5. Nombra los períodos de la forma sonata

  6. ¿Cuántos períodos tiene la primera sección de la forma sonata?

  7. ¿Cuántos períodos tiene la segunda sección de la forma sonata?
  8. ¿Qué es una coda?

  9. ¿Qué sucede en la terminología de la forma sonata a partir de 1830?

  10. ¿Qué otra forma musical suele usar la forma sonata?

Foto 1: Sonata K. 545Foto 1: Sonata K. 545
Fuente: http://pianocolectivo.blogspot.com.es/2013/01/analisis-sonata-k545-mozart.htmlFuente: http://pianocolectivo.blogspot.com.es/2013/01/analisis-sonata-k545-mozart.html
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Partitura del primer movimiento de la sonata nº 16, K.545 de Mozart
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Tema A en la ExposiciónTema A en la Exposición
Tema A en la ReexposiciónTema A en la Reexposición
Tema B en la ExposiciónTema B en la Exposición
Tema B en la ReexposiciónTema B en la Reexposición

ACTIVIDAD 3

RESPONDE A LAS PREGUNTAS DE LA EXPLICACIÓN 3


EXPLICACIÓN 4: EL CUARTETO Y EL QUINTETO DE CUERDAS

EL CUARTETO DE CUERDA

La idea de cuarteto es la de una música escrita a cuatro partes solistas relativamente independientes y equilibradas en las que hay un diálogo entre ellas. Es a partir de Haydn cuando la música para cuarteto de cuerda adquiere importancia, pues en el Barroco los cuartetos no tenían las características mencionadas. Los instrumentos del cuarteto son: 2 violines, viola y violonchelo.

Algunos cuartetos importantes de Haydn son los op. 33, 54, 55 y 64 llegando a su esplendor en el 76 y 77.
Ejemplos:

EL QUINTETO DE CUERDA
El quinteto de cuerdas consta de los instrumentos que se pueden discernir de la foto 1. El contrabajo no es un instrumento usado en los quintetos o cuartetos de cuerda ya que es el violonchelo quien realiza los sonidos más graves. En los quintetos podía haber o dos violas o dos violonchelos. Lo que nunca faltaba eran los 2 violines.

Observa las claves de cada instrumento. Se ven las 3 claves existentes: Sol, Do y Fa (la más grave). La viola lee en clave de DO en 3ª línea.

Ejemplos de quintetos son los de Mozart y Bocherinni. Curiosamente Haydn no compuso quintetos.
Ejemplos:


PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Qué caracteriza un cuarteto de cuerda?

  2. ¿Qué compositor destaca en la composición de cuartetos?

  3. ¿Qué cuartetos de Haydn son los más importantes?

  4. ¿Qué instrumentos forman un quinteto de cuerdas?
  5. ¿Por qué el contrabajo no es un instrumento de los cuartetos o quintetos de cuerda clásicos?
  6. ¿Qué tres claves musicales se usan en esta formación instrumental?
  7. ¿Qué instrumento lee en clave de Fa en 4º línea?
  8. ¿Cuál es la clave para los instrumentos más agudos?

fOTO1: Quinteto de cuerdasfOTO1: Quinteto de cuerdas

ACTIVIDAD 4

  1. RESPONDE A LAS PREGUNTAS DE LA EXPLICACIÓN 4
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Boccherini - Quinteto - Musica Notturna delle Strade di Madrid
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EXPLICACIÓN 5: LA MÚSICA SINFÓNICA EN EL CLASICISMO

LA MÚSICA SINFÓNICA EN EL CLASICISMO
La sinfonía en el Barroco surge en Italia como una obra antes de la ópera: la obertura. Posteriormente se va ampliando tanto en extensión, de 3 a 4 movimientos, como en su temática. Otras sinfonías iniciales se parecen a la sonata de iglesia que comenzaba con un movimiento lento y proseguía con tres más en la misma tonalidad.

HAYDN
Con Haydn la sinfonía adquiere prácticamente la forma tal cual la conocemos hoy, en 4 movimientos. Compuso más de 100 sinfonías, algunas, las primeras, con técnicas de concerto grosso en los violines (concertino y ripieno) al estilo barroco, y en otras mostrando el estilo "Sturm und drang", la forma sonata en movimientos lentos, y el rondo-sonata en el último movimiento.
Muchas de las sinfonías de Haydn tienen nombres como "El reloj", "Los adioses", "La sorpresa".
Algunas de ellas son: nº 44, 45, 47 (Sturm und drang), nº 77 (Rondo-sonata), nº 82-87 (Periodo de París), nº 93-104 (Período de Londres).

MOZART
Compuso 41 sinfonías. En algunas de ellas se nota la influencia de Haydn, a quien Mozart admiró y incluso le dedicó algunas de sus obras. En las sinfonías de Mozart se advierten estos rasgos:
  • gran profusión de ideas.
  • color: participación más activa de trompas, oboes, flautas y clarinetes.
  • simetría.
  • temas B contrastantes con temas A al ser más líricos.
Como Haydn, el Sturm und Drang le influencia (sinfonía nº 25) así como el Empdfinsamer Stil y la Escuela de Mannheim. Algunas de sus mejores sinfonías de la época en Viena son: Haffner, Praga, Linz y Jupiter. Las 3 últimas compuestas en un mes y medio.


PREGUNTAS PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Cuál es el origen de la sinfonía?

  2. ¿Qué aporta Haydn a la forma musical sinfonía?

  3. ¿Qué estilos usa Haydn en sus sinfonías?

  4. ¿Qué aporta Mozart en el color orquestal?

  5. ¿Qué estilo es común a Mozart y Haydn?

  6. ¿Qué sinfonías tienen nombres de ciudades?

  7. ¿Cuántas sinfonías compusieron Haydn y Mozart en total?

  8. Nombra 2 sinfonías de cada compositor.

AUDICIONES


ACTIVIDAD 5

RESPONDE A LAS PREGUNTAS DE LA EXPLICACIÓN 5


PINCHA AQUÍ PARA SABER QUÉ COMPUSO MOZART EN CUATRO DÍAS: MOZART

MUSICA VOCAL

LA MÚSICA VOCAL PROFANA

En cuanto a la música profana surge un tipo de ópera más ligera que la "ópera seria" llamada "ópera bufa", con personajes burgueses y del pueblo, que acercan la ópera a otras clases sociales. Los finales son felices, pero no por obra divina, sino por la razón. Al final de la ópera hay un concertato final con todos los personajes. La primera ópera importante de este tipo fue "La serva padrona" de Pergolesi.

En Inglaterra, la ópera cómica The Beggars Opera se satiriza a la ópera italiana sustituyendo a los personajes heroicos por mendigos, rateros y prostitutas.

En Alemania, a la ópera bufa se le llama Singspiel. De argumento ligero, los recitativos italianos se sustituyen por diálogos en alemán. El autor inicial en este género es Johan Adam Hiller.
La música vocal religiosa

oratorio
música sacra
misa
La música instrumental

4.6 - El clasicismo en España

EXPLICACIÓN 6: EL CLASICISMO EN ESPAÑA
EL CLASICISMO EN ESPAÑA

Es la época de los primeros Borbones y de hombres tan conocidos como Francisco de Goya (pintor), Fernández de Moratín y Gaspar de Jovellanos (escritores). En 1788 muere Carlos III, quien reinó desde el 1759, un rey al que no le entusiasmaba la música. Ese mismo año comienza a reinar Carlos IV hasta el 1808 quien fue un rey culto y amante de la música.

Se asiste a una reivindicación de lo nacional con el fenómeno del majismo. El majo representa a un hombre de clase media, valiente, apasionado, cuyos gustos incluyen la música danzas como boleros, fandangos, seguidillas y tiranas así como la tauromaquia. La aristocracia también asume el majismo en el final del XVIII. El majo es lo opuesto al petimetre francés: hombre que vive para estar a la última moda, acicalándose continuamente.
En el clasicismo español se dan estos aspectos siguientes:
  • Se desarrollan los conciertos públicos además de la música para teatro, que tiene fluencias italianas. Carlos III prohibe representaciones italianas por ser muy costosas. 
  • La zarzuela, género español por excelencia pero que se parecía mucho a las óperas italianas, se reforma y sustituye los aspectos mitológicos por otros más populares.
  • En música sinfónica, a partir de 1750 se introduce en España la música alemana de músicos como Haydn y a principios del XIX se comienzan a conocer las óperas de Mozart.

FORMAS MUSICALES
Los géneros musicales españoles son:
  • Tonadilla escénica: consta de números musicales al estilo de los intermezzi italianos que se intercalaban en los entreactos de comedias. Nace por oposición a la ópera italianizante.
  • Villancicos: parecidos a las cantatas alemanas, es decir, música polifónica, que alterna aria da capo y recitativo. Este género comienza a decaer en este siglo y se prohiben en los actos religiosos en 1765.
  • Autos sacramentales: son obras de teatro litúrgicas. Prohibidas por Carlos III.
Los géneros más universales:
  • Oratorios: también llamados dramas sagrados. Son representaciones sobre eventos religiosos.
  • Música de cámara: cuartetos, quintetos
  • Música sinfónica.

FOCOS MUSICALES
Los focos más importantes de este período son:
  • Real Capilla, en Madrid,  en la que el público puede asistir libremente a actos litúrgicos.
  • Capilla del Escorial, en donde trabaja el Padre Soler, uno de los más reconocidos maestros españoles y maestro del hijo de Carlos III, el infante Gabriel.
  • La pequeña corte del hermano de Carlos III (Luis de Borbón), regida por el italiano Luigi Boccherini.
  • Las casas de los nobles como la Casa de Alba y la Casa de Benavente.
  • Academias y Sociedades de amigos del país en donde se representan conciertos  y óperas.
  • Los teatros, como el de Santa Cruz en Barcelona donde se representan óperas.

MÚSICOS
Destacan los siguientes:

  • El Padre Antonio Soler en música para teclado.

  • Luigi Boccherini en música de cámara, especialmente en cuartetos y quintetos de cuerda.

  • Fernando Sor y Dionisio Aguado en guitarra cásica.

  • Pablo Esteve y Blas Laserna en tonadilla escénica.

  • Antonio Rodríguez de Hita en zarzuelas.

  • Manuel García como tenor de ópera.


PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN DEL TEXTO
  1. ¿Desde qué año y hasta qué año reinan los Borbones mencionados?

  2. ¿Qué es el majismo?

  3. ¿Qué dos aspectos sociales-musicales se desarrollan en la época borbónica?

  4. ¿En qué aspecto se reforma la zarzuela y quién componía zarzuelas?

  5. ¿Qué tiene la tonadilla, a qué se parecen y quién componía tonadillas?
  6. ¿Qué se prohíbe por Carlos III?
  7. ¿Qué se representa en el Teatro de Santa Cruz de Barcelona?

  8. ¿Dónde trabaja el Padre Soler y a quién fue su alumno?

AUDICIONES

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Luigi Boccherini. Quinteto de cuerdas, op.30,nº.6. IV. Los Manolos.
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Blas Laserna: de "El desengañado" tonadillas. (arr. E. Moreno)
Canción de Malbroue.
Tirana: como los perros sarnosos.
Blas-Laserna-1-canción-de-malbrue-2-como
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ACTIVIDAD 6

1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
  1. RESPONDE A LAS PREGUNTAS DE LA EXPLICACIÓN 6
  2. AVERIGUA QUIEN ES QUIEN EN LAS FOTOS DE ABAJO, numéralas de izquierda a derecha. (2 REYES, 1 INFANTE, 2 GUITARRISTAS, 2 MÚSICOS, 2 PERSONAJES TÍPICOS, 2 ESCRITORES, 1 PINTOR)


TEMA 5 - EL ROMANTICISMO



5.1 - EL ROMANTICISMO

EXPLICACIÓN 1: EL ROMANTICISMO: INTRODUCCIÓN Y PERÍODOS
INTRODUCCIÓN
El siglo XIX presenció la rápida expansión de las ciencias exactas y el método científico. Simultáneamente, la música de aquel período reacciona y se dirige hacia la frontera que separa la razón del inconsciente. Así, la música romántica toma sus materiales e inspiración de los sueños (inconsciente individual) y los mitos (inconsciente colectivo). Para los románticos es importante lo sobrenatural, los misterios de la naturaleza inconmensurable, lo remoto de tiempos pasados medievales y lo extraño y bizarro. Con estas fuentes los románticos quieren transcender fuera de la realidad y tal vez por esto en las obras románticas hay un rasgo de nostalgia y anhelo hacia algo imposible de conseguir.

PERÍODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA
Las raíces sociales y culturales del Romanticismo despuntan en el siglo XVIII pero es en el XIX cuando definitivamente algunos hechos influyen en este movimiento. Destacan:
  • la Revolución francesa (1789).
  • la Restauración y el Congreso de Viena (1814-15).
  • las Revoluciones burguesas del 1848.
  • la Comuna de París (1871).
En el romanticismo musical se pueden obsevar tres períodos característicos:
  • Primer Romanticismo: desde fin del siglo XVIII  hasta 1850. (Beethoven, Schubert, Schumann)
  • Segundo Romanticismo: toda la segunda mitad del siglo XIX hasta la muerte de Mahler en 1911. (Wagner, Liszt, Mahler)
  • Prolongación hasta nuestros días, aunque no sea la corriente dominante.

PREGUNTAS DE COMPRENSIÓN LECTORA
  1. ¿Es es siglo XVIII el del romanticismo? Si / No
  2. ¿Se dirige la música romántica hacia lo racional y científico? Si / No
  3. ¿De qué frontera habla el texto?
  4. ¿Qué dos inconscientes se mencionan?
  5. Enumera 5 fuentes de inspiración romántica.
  6. ¿Por qué las obras románticas dejan un sentimiento de anhelo?
  7. Escribe la fecha correspondiente al hecho histórico uniendo con flechas.
  8. Sitúa: Beethoven, Wagner, Schubert, Liszt, Mahler, en el Primer o Segundo romanticismo.

ACTIVIDAD 1

RESPONDE A LAS PREGUNTAS DE LA EXPLICACIÓN 1

5.2 - El lied

5.3 - La ópera romántica

5.4 - El piano

5.5 - La música sinfónica

5.6 - Los instrumentos

TEMA 6 - El Nacionalismo y las vanguardias

El Nacionalismo y las vanguardias

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ACTIVIDAD

LEE Y HAZ UN ESQUEMA DE LAS VANGUARDIAS


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